MUSICALES DE CINE: Cómo las canciones dieron forma al espectáculo en la pantalla plateada

Los musicales de cine, una verdadera forma de arte estadounidense, han celebrado la libertad en el cine, la autoexpresión y la búsqueda de sueños en el camino de ladrillos amarillos de la vida.

Los musicales de cine son una de las formas de arte más americanas por excelencia, y una que finalmente se exportó a todo el mundo. Los westerns se originaron a partir de novelas de diez centavos sobre vaqueros, pero los musicales se desarrollaron en conjunto con el propio Hollywood. En los últimos 90 años, este género cinematográfico ha celebrado la libertad, la autoexpresión y la búsqueda de sueños en el camino de ladrillos amarillos de la vida.

La suerte de los musicales cinematográficos, películas que incluyen muchas canciones y bailes de los personajes principales, en lugar de un interludio de canto, han disminuido y disminuido a lo largo de las décadas. Su apogeo fue posiblemente los años 30, cuando estrellas como Fred Astaire y Judy Garland cantaron y bailaron a través de numerosas películas de éxito cada año, junto con la era dorada de los musicales de cine inspirados en el teatro en los años 50 y 60. Sin embargo, incluso en las últimas décadas, como en los 90, ha habido gemas de películas musicales como Evita .

A lo largo de los años, los musicales de Hollywood llegaron a personificar la idea misma del entretenimiento ligero, y aunque películas como Singin ‘On The Rain , The Sound Of Music o La La Land son sin duda escapistas, han brindado al cine algunos de sus momentos más emblemáticos. . La evidencia de que pequeños cambios en términos de gusto es el hecho de que Lady Gaga  protagonizó el cuarto remake de A Star Is Born .

La música y el cine siempre han estado inextricablemente vinculados. Rudolph Valentino estaba bailando el tango en una película en 1921 (en Los cuatro jinetes del apocalipsis ), y, solo cinco años después, uno de los primeros cortometrajes de Vitaphone, protagonizado por John Barrymore, tenía una partitura interpretada por un New de 107 piezas. Orquesta Filarmónica de York.

Un año después llegó el primer largometraje «talkie». El cantante de jazz , realizado por Warner Bros en 1927 y con Al Jolson, tenía siete canciones y algunas líneas de diálogo en pantalla, pero su impacto fue sísmico. Hollywood sabía que se necesitaban cambios estructurales masivos para alterar la forma en que el público veía la película. Aunque los clientes estaban acostumbrados a ver música en drama en vivo (que era un núcleo de la tradición de Vaudeville), muchos cines tuvieron que mostrar The Jazz Singer como una película muda porque los lugares no estaban conectados para el sonido. Para 1928, cuando se estrenó la segunda película de Jolson, The Singing Fool , la mayoría de los cines estaban equipados con nuevos sistemas de sonido. Ese «talkie musical» estableció un récord de taquillas que se mantuvo durante 11 años, hasta que fue superado porIdo con el viento .

El ritmo del cambio fue dramático. Para 1929, Metro-Goldwyn-Mayers Studios (MGM) se había puesto al día, y su película The Broadway Melody ganó el primer Oscar otorgado a una película musical. En la próxima década «los estudios resultaron musicales como salchichas», según un destacado historiador del cine. Esto se debió en parte a los efectos de La Gran Depresión. Tras el accidente de Wall Street de 1929, muchos teatros de Nueva York cerraron. Las estrellas del escenario, incluidos Fred y Adele Astaire, Fanny Brice, Eddie Cantor, Maurice Chevalier y Marilyn Miller, siguieron a Jolson a Hollywood. Los contratos lucrativos también tentaron a los compositores y libretistas de Broadway en el nuevo medio. Los productores de Broadway fueron fácilmente persuadidos para vender los derechos cinematográficos de sus espectáculos.

Con la capacidad de poner la misma película en cientos de miles de casas de cine, Hollywood operaba en una escala financiera completamente diferente a la de Broadway. Los escritores siguieron el dinero, con muchas de las nuevas canciones de cine escritas por grandes artistas de Tin Pan Alley como Harry Warren. Un buen ejemplo del panorama cambiante fue que el estimado compositor teatral George M Cohen (quien, acertadamente, fue el hombre que escribió ‘Give My Regards To Broadway’) tenía canciones en 40 películas durante la Depresión y solo seis en espectáculos teatrales.

Para Hollywood, sin embargo, todo era nuevo. No había una fórmula probada para el éxito ni métodos establecidos para el cine musical. No hubo ingenieros de sonido ni cineastas expertos en cámaras de sonido. Además de traer obstáculos, esto también ofreció una increíble oportunidad creativa para las personas que se mudaron del teatro.

En los años 30, había un enfoque en el baile. Busby Berkeley, nacido en Los Ángeles, que coreografió o dirigió 19 musicales musicales en los años 30, creó las distintivas y sensuales tomas caleidoscópicas de bailarines a vista de pájaro. El uso de Berkeley de cámaras de movimiento, en películas como Forty-Second Street (1933), hizo que el público formara parte de la coreografía. Fue pionero en utilizar grúas, filmar desde trincheras debajo del escenario o colocar cámaras en pistas especiales para capturar tomas audaces. También era imaginativo. Los accesorios en sus estilizadas «imágenes en movimiento» incluían violines de neón, enormes flores y cascadas.

El único rival de las películas de Warner Bros en Berkeley en los años 30 fue el ciclo de películas RKO con Fred Astaire y Ginger Rogers, y ese par se convirtió en superestrellas. La química de los artistas principales es a menudo la clave del éxito de un musical. Eso es lo que sucedió con Shirley Temple y Bill «Bojangles» Robinson; Bob Hope y Bing Crosby; o Marilyn Monroe y Jane Russell, hasta Ryan Gosling y Emma Stone en La La Land .

Algunos de los musicales cinematográficos de los años 30 siguen siendo clásicos, ya que el deseo de una audiencia de escapismo fue saciado con entretenimiento de primera clase; en Top Hat (1935), Astaire y Rogers están en la cima de su forma. La película incluye una gran cantidad de canciones de Irving Berlin (‘Cheek To Cheek’, ‘Isn’t This A Lovely Day?’), Sets lujosos y una trama ingeniosa que lo convierten en una alegría sin límites. Por cierto, las canciones que tiraron de las emociones de los espectadores eran conocidas en la industria como «canciones encantadoras».

A finales de la década llegó uno de los musicales más queridos en la historia del cine: el Technicolor El mago de Oz (1939), zapatos de rubí y todo. La adolescente Judy Garland era una fascinante Dorothy en una cálida fantasía que afirma el valor de la casa. La película tiene un encanto inocente, y también, en ‘Somewhere Over The Rainbow’, con música de Harold Arlen y letra de Yip Harburg, una de las mejores canciones de películas.

“Ha pasado tanto tiempo en mí. Solo tengo que dejarlo salir «

Los musicales de películas como El mago de Oz no tenían nada que ver con el realismo, y los creadores no sintieron la necesidad de explicar la fuente de la música, ya que los diversos personajes extravagantes interpretan las canciones. Como dice el león cobarde de Bert Lahr, justo antes de entrar en una canción: “Ha pasado tanto tiempo en mí. Solo tengo que dejarlo salir.

La película resume uno de los grandes placeres de un musical y, por el contrario, quizás explica por qué también es uno de los géneros cinematográficos más vilipendiados, que es un lugar de trascendencia, donde el tiempo se detiene y lo cotidiano desaparece en un remolino. de musica. Ejemplos de esto van desde los coros bailando en las alas de un avión en Flying Down To Rio (1933), hasta la secuencia de apertura de la autopista Bravura en La La Land . El comentario de Gene Kelly en Singin ‘In The Rain , que dice que «tiene que bailar», podría resumir toda la historia del cine musical.

El inicio de la guerra no hizo nada para calmar el apetito por los musicales de cine, y Garland siguió siendo una figura clave en el medio. Ella siguió … Oz con Babes On Broadway , Ziegfeld Girl (ambas en 1941) y Meet Me In St Louis (1944). Una película de Garland de los años 40 tuvo más impacto comercial que su valor artístico quizás merecido: Till The Clouds Roll By , un

La película biográfica de 1946 sobre la vida del compositor Jerome Kern, protagonizada por Robert Walker, fue una de las primeras películas en tener un álbum de banda sonora emitido junto con la película.

El álbum, con canciones de Garland, Dinah Shore y Tony Martin, fue producido por MGM Records y originalmente lanzado como una colección de cuatro discos de 78 rpm. Cuando la banda sonora se lanzó posteriormente como un LP, su éxito ayudó a iniciar la práctica de Hollywood de lanzar un álbum de banda sonora como producto auxiliar de una película.

Una poderosa figura de Hollywood en ese momento era Arthur Freed. Alguna vez un experto letrista que había sido productor asociado en The Wizard Of Oz , Freed tuvo un gran éxito ese mismo año con Babes In Arms . Su autodenominada «Unidad liberada» en MGM fue un equipo de actores maestros, escritores, directores, coreógrafos, compositores y escenógrafos. Crearon más de 40 de los grandes musicales musicales de los años 40 y 50, incluidos Annie Get Your Gun (1950), An American In Paris (1951), Show Boat (1951) y Gigi (1951). Sin embargo, MGM no lo hizo todo a su manera, como Oklahoma de RKO Fue una de las películas más destacadas de la década.

Freed fue responsable de traer una nueva estrella musical de Broadway a Hollywood en los años de guerra: el carismático y elegante irlandés-estadounidense Gene Kelly. Como bailarina, Kelly aportó frescura y vitalidad ballet a una serie de películas, incluida A Place In The Sun (1951), un musical basado en las canciones de George e Ira Gershwin, que ganó cinco Oscar.

Sin embargo, la obra maestra de MGM fue Singin ‘In The Rain (1952), considerado como uno de los mejores musicales de todos los tiempos. Mientras que Astaire tenía que ver con la sofisticación y el estilo, Kelly era todo un encanto realista. Su baile en solitario con el paraguas y pisando charcos con la canción principal de la película es uno de los momentos más impresionantes de la historia del cine.

Las canciones, que incluyen ‘Make’ Em Laugh ‘y’ Moses Supposes ‘, son sublimes, en una película que capturó la transición caótica entre las películas mudas y la llegada de los talkies. ¿Y quién puede olvidar la inolvidable exuberancia de los primeros compases de ‘Good Morning’, mientras Kelly, Debbie Reynolds y Donald O’Connor realizan una rutina de baile que involucra un sofá volcado?

Los musicales de cine de los años 50 también fueron vehículos para los actores y actrices estrella que tenían estilos de canto poderosos. Doris Day estaba en su mejor momento como la mujer fronteriza de Calamity Jane (1953), mientras que en el mismo año Marilyn Monroe se pavoneaba sus cosas en Gentlemen Prefer Blondes . La década también vio excelentes adaptaciones de varios clásicos de Rodgers y Hammerstein, ¡incluido Oklahoma! (1955), Carrusel (1956), El rey y yo (1956) y Pacífico Sur (1958). La banda sonora de este último resultó ser un éxito sorprendente: el álbum fue el número 1 tanto en los Estados Unidos como en el Reino Unido, donde permaneció durante 115 semanas sin precedentes.

A veces, los músicos de jazz protagonizarían las películas, como Louis Armstrong en High Society (1956) o Nat King Cole en St Louis Blues un par de años después, aportando autenticidad y glamour a los proyectos. Sin embargo, la gran transformación en esta década fue que el cine se convirtió en uno de los principales medios para ayudar al rock and roll a hacer su avance y crear una nueva cultura. Justo cuando el rock’n’roll rompió la hegemonía de The Great American Songbook , los musicales de rock desplazaron a los clásicos de películas musicales.

El rey y sus caderas moviéndose

Todas las primeras estrellas populares del rock hicieron apariciones en varias películas, incluidas Chuck Berry , Fats Domino , Gene Vincent, Little Richard y Eddie Cochran . Las presentaciones musicales también se presentaron de una manera diferente. Atrás quedaron algunos de los bailes de espectáculos. En su lugar, llegaron Berry y su famosa «caminata de pato», que fue capturada en una película en Go, Johnny, Go! ) Además, el uso de la música rock en las bandas sonoras podría desencadenar una locura por comprar discos, algo que sucedió cuando se usó ‘Rock Around The Clock’ de Bill Haley sobre los créditos en la película de temas sociales The Blackboard Jungle .

Sin embargo, no había una estrella de cine de rock más grande que Elvis Presley . La pantalla amaba al Rey y sus caderas moviéndose. Hizo 31 películas entre 1956 y 1971, y aunque muchas de ellas fueron formuladas y olvidables, historias de chicos y chicas mezcladas con canciones exitosas, fueron una fuente de ingresos absoluta para los estudios. Se estima que las películas de Presley han ganado más de dos mil millones de libras. Su dudoso valor artístico frustraba al propio cantante, pero los mejores, como Jailhouse Rock (1957), capturan el magnetismo de la joven estrella de la música.

Los años 50 no fueron todo sobre películas de Presley, adaptaciones de musicales de teatro o vehículos de música rock; También había una variedad de excelentes películas animadas de Disney basadas en música, incluyendo The Lady And the Tramp (1955), con todas esas brillantes canciones de Peggy Lee , y Sleeping Beauty (1959). Todavía había musicales ambiciosos y creativos, como The Umbrellas of Cherbourg (1964). La seductora opereta cantada de Jacques Demy se basó en el papel de Catherine Deneuve como dependienta que queda embarazada.

El sonido de la musica

Aunque este patrón de musicales cinematográficos sobrevivió a principios de los años 60, cuando la versión cinematográfica de West Side Story (1961) encontró el éxito en la pantalla al mantener la música de Leonard Bernstein y las letras de Stephen Sondheim en gran parte sin cambios de la producción de Broadway, el sistema de estudio estaba funcionando en declive El cansancio público con los musicales de cine de gran presupuesto significaba que eran pocos y distantes en los años 60.

Sin embargo, cuando estaban en la marca, todavía lo hicieron espectacularmente bien, como con The Sound Of Music (1965) y Oliver! (1968), ambos adaptados de los éxitos de Broadway. A veces, una adaptación cinematográfica rivalizaba con la versión teatral en la imaginación del público, como cuando Barbra Streisand ganó un Oscar por repetir su papel de Fanny Brice en Funny Girl (1968).

Uno de los cambios clave en los musicales cinematográficos en los años 60 se produjo a través de The Beatles , que proporcionaron una versión de la década como un sueño a través de sus películas. También disfrutaron de un éxito increíble con bandas sonoras lanzadas simultáneamente, con las excelentes canciones de John Lennon y Paul McCartney .

En su primera película, A Hard Day’s Night (1964), el director Richard Lester captó hábilmente el ingenio y el encanto despreocupados de los cuatro músicos en lo que fue casi un ejemplo temprano de un video pop extendido, mientras The Beatles exploran lo absurdo de su fama mundial. mientras viajan a Swinging 60s London. ¡Hubo una libertad anárquica similar con Ayuda! (1965). Esto fue seguido por el surrealista y psicodélico Magical Mystery Tour (1967), la comedia animada Yellow Submarine (1968) y el documental de 1970 Let It Be , con el famoso concierto improvisado en la azotea.

Aunque Let It Be no fue el primer documental de películas musicales, fue uno de los más populares. Sin embargo, este género tiene su propia historia distinguida, que van desde películas de conciertos fantásticos como La Banda ‘s The Last Waltz a dolorosamente hermoso documental de Phil Joanou U2: Rattle and Hum . También ha habido documentales trascendentales sobre Bob Dylan , The Rolling Stones , Bob Marley , Neil Young , Jimi Hendrix , Madonna , The Clash , Glen Campbell y Tom Petty , hasta Amy Winehouseen 2015. Algunos de ellos, como Martin Scorsese y The Last Waltz y el documental de Stone Roses de Shane Meadows, Made Of Stone , han sido realizados por aclamados directores que no eran famosos por sus películas musicales.

Los Beatles establecer un nuevo estándar para el rock y el pop películas musicales, y el formato de sus dos primeras películas ha sido actualizado periódicamente en el medio siglo ya que, por películas como Prince ‘s Purple Rain y Spice Girls: la película . En el siglo 21, Eminem ‘s de 8 millas y 50 Cent ‘s Get Rich or Die Tryin’ hizo por el hip-hop lo que las antiguas películas hicieron por Prince, y Posh Spice y co.

Los musicales cinematográficos pasaron por un momento difícil a finales de los 60 y principios de los 70. Aunque algunos mostraron que había mucho dinero para ganar , por ejemplo, Chitty Chitty Bang Bang , algunas películas de gran presupuesto en la época de la última película de los Beatles eran fracasos de taquilla. Paint Your Wagon , Finian’s Rainbow y Doctor Doolittle sirvieron como advertencias para la industria. Además, la mala calidad de algunos: Canción de Noruega de Andrew L Stone y At Long Last Love de Peter Bogdanovichfueron considerados como fracasos vergonzosos, sumados a una sensación de fatiga con el género. Además, los valores que algunos musicales de Broadway pasaron a trompeta parecían incongruentes en un momento en que el feminismo de la segunda ola estaba creciendo y el telón de fondo era uno de asesinatos, la guerra de Vietnam y disturbios raciales.

Las películas musicales todavía se hicieron en los años 70, pero los éxitos: Fiddler On The Roof , Cabaret , That’s Entertainment (el musical de MGM más taquillero de todos los tiempos) y Grease (que estaba en la ola de un período de nostalgia por los años 50) – fueron la excepción, no la regla.

En los años 80, algunas películas produjeron sencillos y bandas sonoras de gran venta, como The Jazz Singer de Neil Diamond  y la película biográfica de Ritchie Valens La Bamba , con música de Los Lobos. Pero ciertamente no fue una década consistente ni vintage para los musicales. Hubo películas memorables con música en ellas: los ingeniosos Blues Brothers , los éxitos de taquilla Footloose (1984) y Dirty Dancing , Clint Eastwood’s Bird , sobre la leyenda del jazz Charlie Parker , Amadeus , The Little Shop Of Horrors , The Commitments, con su deslumbrante banda sonora del soul sureño, pero para que los musicales aporten mucho dinero, se necesita un nuevo enfoque.

A principios de los 90, los personajes con más probabilidades de estallar en la canción eran creaciones animadas. Disney fue responsable de uno de los movimientos musicales más exitosos de la actualidad: los éxitos de taquilla animados basados ​​en canciones. Las películas de Disney como The Little Mermaid , Beauty And The Beast , Aladdin y The Lion King fueron lanzadas en rápida sucesión, acumulando una gran cantidad de fanáticos. La fórmula fue fuerte. Hubo historias interesantes, personajes extravagantes y canciones que se cosieron cuidadosamente en la trama. La Sirenita incluso asintió con la cabeza a las extravagancias de Busby Berkeley, con la canción coreografiada Under The Sea . La película ganó dos Oscar y ganó casi $ 100 millones.

De todas las grandes películas de Disney de la época , quizás ninguna puede igualar el atractivo musical de El Rey León . Elton John ayudó a componer la banda sonora después de que su amigo, el letrista Tim Rice, le pidiera que echara una mano. John dijo que la experiencia de trabajar en la película y ayudar a escribir canciones icónicas como ‘Hakuna Matata’, ‘The Circle Of Life’ y el ganador del Oscar ‘Can You Feel The Love Tonight’ «cambió el curso de mi carrera y mi vida «. John se unió a una banda selecta de estrellas populares de la música para ganar los Oscar por la música, una lista que incluye a Randy Newman, Prince, Lennon y McCartney, Bruce Springsteen y Annie Lennox.

Aunque Disney dictaminó, los musicales de películas de acción real no estaban muertos. The Mambo Kings de Arnold Glimcher celebró la música latinoamericana, mientras que Sister Act proporcionó un éxito de taquilla para Whoopi Goldberg. Quizás la película musical más memorable de esa década fue Evita (1996) del director Alan Parker , que fue adaptada de la versión teatral de 1976 y el álbum conceptual original de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice.

Parker, cuyo catálogo posterior incluía a Bugsy Malone , un encantador remake musical, con un elenco de niños, de una película de gángsters de Jimmy Cagney, y The Wall with Pink Floyd , recibió un presupuesto de $ 60 millones para Evita . La estrella principal Madonna puso corazón y alma en su actuación y la película terminó ganando un Oscar a la mejor canción original por ‘You Must Love Me’.

Al igual que Evita , el patrón a lo largo de la mayor parte de la historia musical de Hollywood ha sido que los espectáculos se traduzcan en películas. Pero ha habido una tendencia en los últimos años para que los musicales de películas de gran presupuesto se conviertan en espectáculos escénicos, como Shrek The Musical , por ejemplo. Sin embargo, El Rey León sigue siendo el modelo de una exitosa transferencia de película a escena. El uso de títeres y máscaras africanas permitió que la versión teatral marcara su propio terreno creativo, sin dejar de utilizar todas las canciones populares de las películas. Para 2017, el musical de The Lion King había estado funcionando continuamente durante 20 años en todo el mundo, en más de 20 países, ganando más de mil millones de dólares.

Los ejemplos más originales de producciones de cine a teatro incluyen School Of Rock . ¡Silencio! The Musical (una parodia de El silencio de los corderos ) y Spamalot de Monty Python (inspirado en Monty Python y el Santo Grial ). Universal Movies tiene una subdivisión llamada Universal Pictures Stage Productions cuyo trabajo es convertir las propiedades intelectuales del estudio en material de Broadway. Entre sus adaptaciones se encuentran Cry Baby , Billy Elliot (una vez más con canciones de Elton John) y, lo más famoso, la transmutación de The Wizard Of Oz (la película en lugar de la novela original) en el éxito mundial Wicked .

La calidad de la banda sonora también fue un hilo conductor a través de películas durante casi un siglo, musicales y dramas por igual. La música de cine nació de la música clásica, por lo que los dos tienen un fuerte parecido familiar. Uno de los titanes de la música de las primeras películas fue Erich Wolfgang Korngold. El compositor fue responsable de la partitura de la película de 1938 Las aventuras de Robin Hood . Korngold, quien fue descrito como un «genio musical» por Gustav Maler, no fue el único en nutrirse en los grandes centros de música clásica europea como Viena, y estos compositores trajeron su rica herencia sinfónica con ellos a Hollywood.

La música clásica ha infundido el trabajo de muchos de los grandes compositores de películas modernas, como John Williams , el hombre responsable de numerosas gemas como Jaws , Close Encounters Of The Third Kind , los temas de Star Wars y también deleites subestimados como la música para Un horizonte muy lejano . Williams también trabajó en la música para Saving Private Ryan . Cuando Spielberg le mostró la Lista de Schindler , Williams dijo: «Necesitas un mejor compositor que yo para esta película». Spielberg respondió: «Lo sé. Pero todos están muertos.

Otros compositores destacados para Hollywood incluyen Alexandre Desplat, Lalo Schifrin ( Dirty Harry ), Ennio Morricone (famoso por sus bandas sonoras de Spaghetti Western) y John Barry ( Fuera de África ; bandas sonoras de James Bond, incluida una interpretación icónica del tema James Bond Theme de Monty Norman ‘). Hans Zimmer, de 60 años, demostró, con su trabajo colaborativo en Blade Runner 2049 de 2017 , que sigue siendo tan magistral como siempre. El sorprendente catálogo posterior del compositor alemán incluye su partitura para El Rey León , así como la serie Piratas del Caribe y Gladiador .

Además, algunos músicos populares se han vuelto casi tan respetados por el trabajo cinematográfico como por sus álbumes comerciales (Ry Cooder es un buen ejemplo). A veces, las bandas sonoras de películas dan una bienvenida exposición a artistas de country y folk que no son bien conocidos por el público en general. En esta categoría caerían músicos como Julie Fowlis (que cantó ‘Into the Open Air’ para Brave ) o Finbar Furey (‘New York Girls’ en la banda sonora de Gangs Of New York ) o The Cox Family, cuyo ‘I Am Weary ( Let Me Rest) ‘es un deleite en Oh Hermano, ¿Dónde estás? . Pero estos son tres ejemplos de miles. Y a veces los artistas establecidos crean algo especial al reinterpretar una canción, como CeeLo Green con ‘Kung Fu Fighting’ para Kung Fu Panda .

Musicales de cine en el siglo XXI

Entonces, ¿dónde se encuentran los musicales de cine en el siglo XXI? Podría haber parecido por un tiempo que los musicales de acción en vivo eran una especie de película casi tan amenazada como los westerns, pero todavía se están haciendo excelentes. Moulin Rouge! (2001) y Chicago (2002) ambos hicieron la lista reciente del American Film Institute de los 25 mejores musicales de películas, mientras que la comedia de 2003 de Richard Linklater, School Of Rock, fue la comedia musical más taquillera de todos los tiempos hasta que fue superada por Pitch Perfect 2 en 2015

El éxito de otros musicales de películas recientes, como Rent (2005), Sweeney Todd (2007) y Les Misérables (2012), en los que actores como Hugh Jackman interpretaron sus canciones en vivo, ha demostrado que todavía hay un apetito entre la era digital. audiencias para cautivadores musicales. ¡Mama Mia! , por ejemplo, recibió críticas mixtas, pero aún obtuvo más de $ 600 millones en la taquilla en 2008.

Aunque los musicales cinematográficos fueron una forma de arte creada en Estados Unidos, han cobrado vida propia en todo el mundo, incluso si se trata solo de las películas de propaganda musical soviética bajo Stalin. Uno de los centros de la película musical ha sido Bollywood, donde alrededor del 90 por ciento de todas las películas son musicales, que desempeñaron un papel fundamental en el reciente renacimiento de los musicales cinematográficos en Estados Unidos.

El director Baz Luhrmann dijo que Moulin Rouge! fue influenciado directamente por el cine indio. Luhrmann dijo: “Me gustan las películas de los años 30 y 40, que tienen un contrato con el público. También me influenciaron mucho las películas de Bollywood o las películas hindi. Cine donde el público participa en una película. Donde saben que están viendo una película en todo momento «.

Hubo 100 películas musicales hechas solo en 1930. En 2016, hubo cuatro musicales de acción en vivo lanzados en los EE. UU. El que se destacó, por supuesto, fue La La Land de Damien Chazelle . Chazelle, quien nació en 1985, dijo que fue revelador ver a Astaire y Rogers mejilla a mejilla en Top Hat . Recordó: «Eso fue lo primero en lo que me desperté y dije: ‘Dios mío, he estado durmiendo en una mina de oro'».

La La Land ganó siete Globos de Oro y seis Oscar y obtuvo $ 445 millones en taquilla. Quizás provocará otro renacimiento de la película musical. El letrista de La La Land, Benj Pasek, dice que la generación actual «creció con el resurgimiento de la animación de Disney … y está preparada para el contenido musical».

¿Quién sabe lo que vendrá en la década de 2020? Tal vez, parafraseando a Al Jolson en The Jazz Singer , todavía no hemos escuchado nada.