Hijos de la revolución: cómo Glam Rock cambió el mundo

Glam rock agregó un toque de color y provocó un tipo diferente de evolución cultural: música emocionante, el espectáculo de la identidad, vestida con un traje espectacular y un estallido de tensión sexual provocativa.

La Gran Bretaña de los años 70 podría ser un lugar monótono y monocromático. El zumbido del verano del amorDurante mucho tiempo se había desvanecido y, en su lugar, al parecer, llegaron las crecientes tensiones en Irlanda del Norte, la crisis económica y política y la sensación de que el momento de la nación había pasado. Glam rock (o «glitter rock», como era más conocido en los Estados Unidos) agregó un toque de color raro y provocó un tipo muy diferente de evolución cultural. En parte, una reacción a ese zeitgeist rígido de la época, y en parte más evidencia de que la escena musical todavía tenía algunos límites sólidos contra los cuales presionar, cuanto más contundente era el empuje detrás del glam rock, más parecían gustarles los adolescentes. Se trataba de música emocionante, sin duda, pero también del espectáculo de identidad, vestido con un traje espectacular, y ese ingrediente crucial: un escalofrío de tensión sexual provocativa.

La tierra fermentada de Glam se encontraba en un mercado de rocas en maduración, donde el estado de ánimo prevaleciente se había vuelto más serio y estadista. El predominio de los jóvenes serios, con posturas de mezclilla y cabello largo pero muy en serio sobre su oficio musical, podría haber evolucionado a partir del movimiento Flower Power de finales de los 60, pero habían perdido todo su brillo en el camino. Los glam rockeros, en contraste con esa raza e incluso los hippies que los precedieron, no querían cambiar el mundo; querían escapar de él, creando una teatralidad rica y externa que se desviaba emocionantemente cerca del territorio del arte escénico.

La extravagancia de actos como Chuck Berry y Little Richard fueron, quizás, la génesis del movimiento glamoroso, pero mientras Mick Jagger se apropió de gran parte del estilo de esos íconos de los años 50, fue Marc Bolan quien fue el verdadero negocio y la primera verdadera estrella del glam rock. . El londinense Mark Field había pasado gran parte de los años 60 buscando un descanso en el negocio de la música, pero en 1970, con un nuevo nombre y una banda creada a su alrededor, Bolan y T.Rex comenzaron a hacerse notar.

La amapola ‘Ride A White Swan’ subió las listas del Reino Unido ese otoño y alcanzaría el segundo lugar, ofreciendo un pequeño punto de apoyo en las listas de los Estados Unidos al año siguiente. El siguiente sencillo, ‘Hot Love’, famoso escrito en 10 minutos, fue un topper británico de seis semanas y realmente despertó el sonido característico del glam rock. El estilo electrizante de Bolan, en parte Oscar Wilde dandy, en parte chico de clase trabajadora, sorprendió a los espectadores del Top Of The Pops de la BBC , y una serie de éxitos lo convirtieron en una superestrella de buena fe. ‘Get It On’ (su mayor éxito internacional), ‘Jeepster’, ‘Telegram Sam’, ‘Bang A Gong (Get It On)’, ‘Metal Guru’ e ‘Children Of The Revolution’ se convirtieron en la banda sonora del Reino Unido en 1971 y ’72.

Si bien su éxito en los Estados Unidos fue más desigual, Bolan se deleitó en la adulación internacional y equilibró un calendario de grabación implacable con un programa de giras feroces y proyectos promocionales, incluida la película de 1972 Born To Boogie (dirigida por Ringo Starr ). Tal vez era inevitable que este ritmo condujera al agotamiento y, a medida que los golpes comenzaron a tener menos mordedura a mediados de la década, la salud de Bolan comenzó a sufrir. Su muerte en un accidente automovilístico, en 1977, puso fin a un notable legado de trabajo completado incluso antes de cumplir los 30 años.

Otro camaleón que se convirtió brevemente en el centro del movimiento glam rock fue David Bowie . Por supuesto, era inevitable que un talento tan prodigioso como el suyo lo condujera pronto en diferentes direcciones, pero, en su personaje de Ziggy Stardust, creó una caricatura que se sintió por completo.

Muy influenciado por el trabajo de vanguardia del artista neoyorquino Andy Warhol, Bowie se describió a sí mismo como un «pensador táctil que aprendió cosas», y este seudónimo teatral, lanzando éxitos como ‘Starman’ y ‘The Jean Genie’ en 1972 , también tomó prestado mucho de las estrellas glamorosas que se abrieron paso ese año. El aspecto era andrógino, pero la mezcla pop-rock riff-heavy atrajo a los adolescentes y al fanático de la música más conformista y maduro.

Para el verano de 1973, Bowie estaba listo para dejar el glam rock y Ziggy se retiró en un legendario concierto de Hammersmith Odeon. Décadas más tarde, la interpretación de Bowie de ‘Starman’ en Top Of The Pops , con su brazo colgando alrededor de su guitarrista Mick Ronson en una provocación pseudo-sexual, sigue siendo un punto de contacto cultural para toda la era. Ciertamente fue algo provocativo. Bowie, que había sido amigo de Bolan, afirma que el rockero de los años 50, Vince Taylor, proporcionó gran parte de la inspiración para Ziggy, pero estaba claro que T.Rex de Bolan también había ayudado a dar forma a la persona. De manera reveladora, el legendario productor y uno de los colaboradores más respetados de Bowie, Tony Visconti, trabajó con ambos durante este período.

Entonces, aunque Bowie podría haber tomado prestado de otros, su propia influencia en la escena es indiscutible. Durante mucho tiempo había admirado a la banda de culto británica Mott The Hoople y, cuando escuchó que planeaban separarse después de un espectáculo en Suiza, en marzo de 1972, le ofreció al grupo una de sus nuevas canciones en un soborno para mantenerlos juntos. Funcionó (brevemente) y, firmado con un nuevo sello discográfico, ‘All The Young Dudes’, producido por Bowie, se convirtió en un gran éxito y en un clásico de glam rock, llegando al número 3 en la lista de singles del Reino Unido y encabezando un Bowie- y Ronson produjo el álbum del mismo nombre. Mott siempre había disfrutado de una reputación en vivo ferozmente fuerte, pero las facciones continuaron en el grupo y se convirtió en una puerta giratoria cada vez más rápida de nuevos miembros hasta que, después de seis éxitos más, la banda finalmente se separó a fines de 1974.

Tener éxitos como esos fue la tarjeta de puntuación para el glam rock, y el sonido pronto se consideró un pase rápido a las listas británicas. Para 1972, los listados semanales estaban inundados de actos que se habían apoderado de ese gancho musical y buscaban hacerlos notar. Slade había sido una banda de skinheads hasta 1969, pero, a fines de 1971, ‘Coz I Luv You’ había encabezado las listas del Reino Unido y las chaquetas de seda y el cabello hasta los hombros habían reemplazado sus tirantes. Apropiadamente, las cuatro piezas habían tenido previamente un pequeño éxito con una portada de Little Richard, pero esto estaba en una liga completamente diferente.

Quizás sea difícil de imaginar ahora, pero Slade fue un fenómeno pop nacional y se convirtió en el primer acto en tener tres sencillos en las listas del Reino Unido en el número 1. Su escuela irritante, deliberadamente analfabeta se atasca como ‘Take Me Bak’ Ome ‘,’ Mama Weer All Crazee Now ‘,’ Cum On Feel The Noize ‘(más tarde cubierto en 1983 por los rockeros estadounidenses Quiet Riot, y luego nuevamente en 1995 de los chicos malos de Britpop, Oasis, cuyo guitarrista Noel Gallagher usó una camiseta de «Quoasis» en respuesta a un ligero comentario del líder de Blur, Damon Albarn) y ‘Skweeze Me Pleeze Me’ lograron encabezar las listas británicas en solo 24 meses. Los trajes se volvieron más coloridos a medida que los éxitos seguían llegando, pero el clásico navideño perenne, ‘Merry Xmas Everybody’, a fines de 1973, era para demostrar el pico de la banda, con su éxito en gran parte terminado cuando los punks comenzaron a funcionar unos años más tarde. Pero un grupo tan querido no iba a desaparecer por mucho tiempo: hubo un fuerte resurgimiento de la lista a principios de los años 80, y Slade ha disfrutado de una grabación esporádica y un calendario de giras en los años posteriores.

Sweet le dio a Slade una carrera por su dinero, en las apuestas de maquillaje, incluso si no eran capaces de igualar las estadísticas de la tabla de este último. Las cuatro piezas hicieron su debut en la televisión en la respuesta temprana de ITV a Top Of The Pops , Lift Off , y alcanzaron su ritmo durante 1971 con brebajes espumosos como ‘Co-Co’ y ‘Funny Funny’, pero alcanzaron el punto álgido ‘ Blockbuster ‘, un top-chart británico de cinco semanas a principios de 1973.

Vista en gran parte como un acto de singles, la banda firmó con Nicky Chinn y Mike Chapman, quienes perfeccionaron un sonido glam-pop que dominaría el desfile británico. ‘Blockbuster’, una vez más escrito por Chinn-Chapman, tenía un sonido de rock un poco más duro que los éxitos anteriores y marcó la primera vez que toda la banda había tocado en uno de sus propios discos. Siguieron tres éxitos consecutivos No.2 del Reino Unido, ‘Hell Raiser’, ‘Ballroom Blitz’ y ‘Teenage Rampage’, antes de que la inevitable tensión entre el acto de rock y su equipo de producción y escritura Svengali se agrietara. Con la banda ansiando una mayor credibilidad, la asociación se separó y, a pesar de un buen comienzo con ‘Fox On The Run’ de 1975 (recientemente revivido en The Guardians Of The Galaxy) película), los éxitos comenzaron a agotarse, a pesar del éxito continuo en Europa continental y un florecimiento final con ‘Love Is Like Oxygen’ de 1978.

Quizás sea una exageración imaginar ahora, pero la carrera de Elton John también coqueteó con los sonidos y el aspecto del glam rock. Con el predominio de la balada más suave que iba a dominar su carrera posterior a unos años de distancia, sus éxitos de la época incluyeron pisotones como ‘Saturday Night’s Alright (For Fighting)’ y, por supuesto, ‘Crocodile Rock’. Crucialmente, Elton miró la parte y su teatralidad graciosa jugó en la provocación subversiva del movimiento.

La obra maestra de rock de la obra maestra de Who , Tommy, fue filmada para un largometraje de 1975 y contó con Rocket Man como el Pinball Wizard. La memorable aparición de John, filmada en una gran casa de juegos en el sur de Inglaterra, lo vio vestido con enormes botas Doc Marten, tirantes y la obligatoria camisa de brillo. Las gafas características de la estrella, de gran tamaño y brillantes en la luz del escenario, ayudaron a dar forma a otra de sus imágenes clásicas. El álbum Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy del mismo añotambién incluía canciones y el tipo de arte de manga completamente a gusto con actos como The Sweet y Slade.

Si bien la fórmula puede parecer simple, los coleccionistas del género le dirán que, a pesar de todos los éxitos, también hubo muchos lanzamientos fallidos. Los sellos como RAK se apoderaron de actos como Iron Virgin, Screemer y Jimmy Jukebox, que luego no pudieron grabar con canciones que ahora se clasifican habitualmente como «glam de la tienda de chatarra», mientras que Hello, que obtuvo otros dos éxitos, era una pandilla de adolescentes que También se perdió con el himno perdido ‘Another School Day’ en el otro gran sello discográfico glamoroso del día, Bell.

El gigante de Chinn-Chapman se convirtió en una estrella RAK de Suzi Quatro cuando ‘Can The Can’ encabezó la lista del Reino Unido en 1973. Los primeros trabajos de Suzi habían estado firmemente en el género del rock, incluido un hechizo con el acto progresivo Cradle, y es interesante lo fácil que es Estos actos orientados al rock rociaron su sonido con un brillo glam rock para un enorme éxito. Ese éxito fue principalmente en toda Europa, aunque Suzi recibiría un guiño de cortesía de Elvis Presley por su versión de ‘All Shook Up’, un éxito menor en su tierra natal compartida en 1974.

El segundo top-chart de Suzi en el Reino Unido, ‘Devil Gate Drive’, iba a demostrar que era la última, pero su carrera continuó (con un gran dueto estadounidense de Chinn-Chapman teñido en el país con Chris Norman de Smokie en 1978 con ‘Stumblin’ In ‘) y ella mantiene un perfil fuerte hasta el día de hoy. Otros actos de Chinn-Chapman que se beneficiaron de su toque de Midas en esa década incluyeron a Mud y al mencionado Smokie, pero estos fueron predominantemente actos pop. Del mismo modo, la asociación de Gary Glitter con Mike Leander alcanzó el oro con una serie de grandes éxitos para él y The Glitter Band, que llegó al número 4 con ‘Angel Face’ en 1974 y marcaría otros cinco éxitos Top 10 del Reino Unido en los siguientes dos años .

La influencia del glam también se puede ver en otros actos pop de la época, incluida la banda escocesa Bay City Rollers y Slik, uno de los primeros vehículos del futuro líder de Ultravox , Midge Ure. ‘Forever And Ever’ encabezó la lista de singles del Reino Unido en febrero de 1976. Ure no escribió esta melancólica balada; pero algo de la pompa orquestada de ‘Viena ciertamente se puede rastrear aquí. Wizzard, Alvin Stardust y The Rubettes también obtuvieron importantes éxitos pop orientados al glamour con temas como ‘Angel Fingers (A Teen Ballad)’, ‘My Coo Ca Choo’ y ‘Sugar Baby Love’.

Un acto resueltamente no orientado al pop fue Roxy Music . Dirigido por el graduado de Bellas Artes Bryan Ferry , su asociación con el mago del sintetizador Brian Eno comenzó en 1971 y, a fines del año siguiente, ‘Virginia Plain’ se había convertido en el número 4 del Reino Unido en la parte posterior de acres de prensa musical positiva. Mientras que los miembros de la banda giraron a gran velocidad durante los años de desarrollo, álbumes como su debut homónimo y su continuación, For Your Pleasure , mantuvieron un sólido impulso comercial y crítico.

Ferry hizo malabares con una carrera en solitario más tranquila (con su primer LP, These Foolish Things , que llegó a las tiendas en 1973), pero la credibilidad de la escuela de arte de la banda hizo mucho para ampliar el atractivo de un género que, con el tiempo, parecía apuntar en gran medida al Poppier final del mercado. A medida que la banda se suavizó a lo largo de la década, y con lanzamientos posteriores como Avalon (musicalmente, al menos) a un millón de millas de los primeros pisotones de Roxy, la rica teatralidad del comienzo de la banda llevó cómodamente a sus fanáticos con ellos. . Roxy Music había creado glam para adultos, y su audiencia demostraría ser resistente y leal.

Otra banda inmersa en el arte de la actuación fue Sparks . Los hermanos Ron y Russell Mael se mudaron de la costa oeste de Estados Unidos al Reino Unido en 1973, y el álbum Kimono My House del año siguiente fue una rareza ambiciosa y excéntrica que generó un éxito considerable con ‘This Town Ain’t Big Enough For The Both Of Us’ . Con un estilo distintivo, la pareja demostró un atractivo natural para los programadores de televisión y, con el tiempo, los hermanos también centraron su atención en las películas, con apariciones en éxitos como Rollercoaster . Pero no antes de que obtuvieran más éxitos con Amateur Hour y Get In The Swing, mientras que Sparks sigue siendo una de las bandas de culto de más alto perfil que todavía está en el negocio hasta el día de hoy.

Si Sparks y Roxy Music mantuvieron su presentación visual del lado correcto de buen gusto, Alice Cooper hizo todo lo contrario con una llamativa ventaja OTT que ayudó a elevar su notoriedad. Para aquellos que superaron el espectáculo de monstruos, Cooper era claramente un showman consumado que también podía escribir una gran canción. ‘School’s Out’ apareció en su quinto álbum y le dio un gran avance en los Estados Unidos y Gran Bretaña, donde encabezó la lista. Los éxitos posteriores como ‘Hello Hurray’ y ‘No More Mr Nice Guy’ demostraron que ‘School’s Out’ no fue una excepción, aunque en realidad ese himno sería un éxito difícil de mejorar.

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