Música pop: la forma de arte más importante del mundo

Mucha gente confunde la música pop como desechable. Pero desde el blues hasta The Beatles, algunas de las declaraciones artísticas más importantes se han incluido en las canciones más populares del mundo.

Hay una escena brillantemente divertida en la obra de Tom Stoppard The Real Thing, donde el personaje de Henry, un dramaturgo intelectual, es invitado a seleccionar su música favorita para el programa Desert Island Discs de BBC Radio 4. El dilema de Henry es sobre si elegir el tipo de música por la que cree que su audiencia lo respetaría, o si debe ser honesto y elegir la música pop que le encanta. “Puedes tener un poco de Pink Floyd metido entre tus sinfonías y tu Dame Janet Baker”, reflexiona Henry, “que muestra una amplitud de sabor refrescante, o al menos un candor refrescante, pero me gusta que Wayne Fontana y los Mindbenders lo hagan” “Um, Um, Um, Um, Um, Um”.

Para una industria donde la imagen es clave, la música pop en sí misma tiene un problema de imagen propio. Muchos críticos lo ven con desdén, mientras que incluso los fanáticos de un tipo de música pop consideran que otros tipos de música pop son menospreciables, sin valor y no dignos de ser considerados música, y mucho menos arte. Pero esto no es nada nuevo. De hecho, este es un problema tan antiguo como la música pop en sí. Desde hace mucho tiempo, la pobre música pop ha sido intimidada, menospreciada y despreciada: “No es arte, es solo pop”.

Para determinar si la música pop es arte, primero es necesario comprender qué es realmente la música pop. Y es en esto, el más fundamental de los pasos, donde comienzan la mayoría de los argumentos. Para algunos, la música pop se considera desechable. Lo ven como una música impulsada comercialmente diseñada por grandes empresas para ser comercializada por un público adolescente (o más joven) que, a sus ojos, no conocen mejor. Piensan que el pop es una música que no tiene la credibilidad de ser descrita como “rock”, “folk”, “jazz”, “indie”, o cualquiera de los otros cien sellos. Para ellos, el pop es el material con el mínimo común denominador que ningún fanático de la música que se respete se sorprendería escuchando. Básicamente, el pop como género propio. Para otros, sin embargo, el pop podría referirse a cualquier número de estilos a lo largo de las décadas, desde Frank Sinatraa través de Elvis Presley hasta The Beatles , Madonna y muchos otros nombres familiares (y underground). Otros aún podrían tener una definición aún más amplia, pensando en la música pop simplemente como música que no es clásica: un complemento para todo lo contemporáneo. Y luego están incluso aquellos que no consideran que nada “pop” sea música en absoluto. En ese momento, por temor a dar vueltas en círculos, vale la pena explorar la historia de la idea misma de la “música pop”.

¿Qué es la música pop?

Los humanos han estado haciendo música durante el tiempo que han estado alrededor, incluso más tiempo. Una flauta encontrada en una cueva en el noroeste de Solvenia en 1995 data de hace unos 40,000 años. Si fue hecho por Neanderthals o Cro-Magnons continúa siendo debatido, pero lo que sí muestra es cuánto tiempo nosotros, o nuestros antepasados, hemos estado disfrutando de la música. A lo largo de los siglos, por supuesto, el estilo de la música ha cambiado inimaginablemente, con nuevos instrumentos que aún se inventan y desarrollan hoy en día, junto con nuevas formas de tocarlos, diversas formas de vocalización, etc., a medida que las personas se vuelven más sofisticadas.

Entonces, ¿en qué punto de la línea de tiempo de la existencia humana la música se convierte en “pop”? El pop, después de todo, se originó como la abreviatura de “música popular”, los sonidos que cavaban cualquier generación en cualquier sociedad. Los historiadores se refieren a las baladas de costado populares en los tiempos de Tudor y Stuart como “música pop temprana”. Estas canciones subidas de tono, cómicas y sentimentales de las calles y tabernas fueron pedaleadas en partituras por vendedores ambulantes, y resultaron populares tanto para la nobleza terrateniente como para los siervos en los campos. En la época victoriana, el público disfrutaba de conciertos del compositor nacido en Alemania Sir Julius Benedict, anunciado como los Conciertos Populares de Londres, mientras que el término “canción pop” estaba en uso al menos hace 100 años.

Sin embargo, la mayoría de los historiadores de la música estarían de acuerdo en que la música pop, tal como la conocemos, comenzó con el inicio de la industria discográfica. Para ayudar a facilitar la elección de los clientes, las compañías discográficas codificarán con colores la música de diferentes géneros. En los años inmediatos de la posguerra, RCA Victor, por ejemplo, vendía música clásica en vinilo rojo, country y polka en verde, infantil en amarillo, y así sucesivamente, con negro la reserva del pop ordinario, un género que cubría una multitud de pecados, pero esencialmente significa “cualquier otra cosa”.

Por supuesto, muchos de los estilos musicales que se clasificaron bajo diferentes títulos (jazz, blues, country, etc.) simplemente son la música pop de la época y el lugar de donde se originaron. Hoy en día, es ampliamente aceptado que los primeros músicos de jazz como Louis Armstrong y Ella Fitzgerald eran artistas del más alto calibre, del mismo modo que los músicos bebop como John Coltrane o Sonny Rollins. Pero en ese momento, muchos críticos fruncieron el ceño como advenedizos, saltando con sus cuernos a todo volumen, inventando cosas en el lugar en lugar de sentarse y tocar notas que habían sido escritas cuidadosamente en la página.

Del mismo modo, los músicos de blues como Howlin ‘Wolf , Muddy Waters y Sonny Boy Williamson fueron considerados no solo inferiores musicalmente, sino que ni siquiera fueron tratados por igual como personas en los Estados Unidos racialmente divididos. Hoy, su trabajo está consagrado en los museos Smithsonian y en la Biblioteca del Congreso.

La explosión del rock and roll

No fue sino hasta mediados de los años 50 que la música pop comenzó a significar algo por derecho propio. Con la explosión de la música rock’n’roll, el negocio pop se construyó un imperio. Los compositores de canciones en el legendario Edificio Brill de Nueva York elaboraron su arte, con productores encabezados por Phil Spector con sinfonías pop de tres minutos tan ricas y con múltiples timbres como Wagner en su apogeo. (En la década siguiente, la producción y composición de Brian Wilson se expandió en la plantilla de Spector; en 1966, Pet Sounds, marcó un punto culminante creativo tanto para Wilson como para The Beach Boys ).

Pero hasta la aparición de The Beatles, el pop había sido ignorado en gran medida por los críticos en cualquier nivel intelectual, y los documentos musicales generalmente existían para describir nuevos discos e informar al público y a la industria de los acontecimientos. Pero en 1963, el renombrado crítico musical inglés William Mann escribió sobre los Fab Four en The Times, de una manera previamente reservada para el arte: “Uno tiene la impresión de que piensan simultáneamente en la armonía y la melodía, tan firmemente son los séptimos tónicos principales y novenos incorporados a sus melodías, y las teclas planas de submediante cambian, tan natural es la cadencia eólica al final de ‘Not A Second Time’ (la progresión de acordes que termina con la ‘Canción de la Tierra’ de Mahler ”). Habló de “música lúgubre” y “grupos de pandiación”, y alcanzó notoriedad dudosa cuando llamó a Lennon yMcCartney “los mejores compositores desde Schubert”. Las personas que no habrían sido fanáticas de la música pop estaban comenzando a sentarse y tomarlo en serio, tal vez aún no llegaron a llamarlo arte, pero aplicaron el mismo análisis crítico que se aplicaría a las artes más tradicionales.

Pero aunque The Beatles ciertamente estaban creando algo nuevo dentro de la música pop, este no fue tanto un caso de música pop que finalmente se elevó al nivel de arte, ya que fue el ruido que estaba haciendo tan ensordecedor que ya no era posible para ignorarlo Pop, al parecer, estaba aquí para quedarse. Y, si no puedes vencerlos …

Arte pop

En los próximos dos o tres años, el pop abrazó el arte como nunca antes. No olvidemos que muchos de los mejores artistas pop provienen de las raíces de la universidad de arte, desde The Beatles hasta The Rolling Stones , The Who , David Bowie, Queen , REM , Blur, Pulp, Lady Gagay muchos más para mencionar. Y así se dibujaban las líneas de batalla. Para la élite del pop a mediados de los 60, estabas con ellos o contra ellos. Los fanáticos de Bob Dylan, el querido de los estudiantes intelectuales que amaban sus canciones políticas y de protesta, se sorprendieron por lo que vieron como su “venta” cuando cambió de guitarra acústica a eléctrica. Un fanático descontento, Keith Butler, le gritó “Judas” durante un espectáculo en el Manchester Free Trade Hall en mayo de 1966. Dylan respondió con desprecio: “No te creo”. Cuando Butler fue entrevistado después del programa, se burló: “¡Cualquier grupo pop sangriento puede hacer esta basura!” La implicación era que los fanáticos habían llegado a ver algo de mérito artístico, no música pop. Pero los tiempos estaban cambiando.

El álbum pop en sí mismo se estaba convirtiendo en una forma de arte reconocida, y los grupos estaban pensando en cada aspecto de su trabajo, y la portada del álbum se elevó de un mero paquete bonito al pop-art. Grupos y cantantes contratarían a los mejores fotógrafos y diseñadores gráficos para crear sus fundas de discos, y trabajarían junto a los cineastas para producir ingeniosos clips promocionales. Quizás el ejemplo más obvio de esta aceptación del mundo del arte es la banda Lonely Hearts Club de Sgt Pepper, para cuya portada The Beatles reclutó al respetado artista pop Peter Blake, pero vale la pena señalar que la idea de su portada “White Album” surgió de conversaciones entre McCartney y otro respetado artista pop, Richard Hamilton, quien produjo el póster insertado en el paquete terminado.

Finalmente, el pop había convencido al mundo del arte de que los dos campos tenían una mentalidad similar: el pop era uno de ellos. Y sin embargo, fue en esta misma aceptación que sucedió algo extraño. Con el lanzamiento de la revista Rolling Stone en 1967 llegó el comienzo de serias críticas pop. Excepto que no se llamaba así; se llamaba crítica de rock. Pop, corto para “popular”, recordemos, la música fue un término general que se utilizó para abarcar cualquier estilo actual que estuviera de moda, ya sea el doo-wop de Frankie Lymon y The Teenagers, el rock and roll de Elvis Presley y Little Richard, el Merseybeat de Billy J Kramer y The Dakotas o The Searchers, o palpitantes como Ritchie Valens o Dion DiMucci. Pero ahora la música rock (sin el rollo) se estaba rompiendo, distanciándose del pop como si de alguna manera sugiriera ser de una forma más alta. Para 1968, eras rock (junto a The Rolling Stones, The Doors, Pink Floyd y Jimi Hendrix) o pop (como Cliff Richard, Lulu o Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick y Tich). El rock tenía su prensa musical, sus críticos y sus intelectuales; pop ahora era estrictamente para niños pequeños y cuadrados. En el mismo instante en que el pop finalmente fue aceptado como el arte que era, un golpe interno lo desvaneció en el estante de chicle.

El esnobismo existe en torno a cualquier forma de arte, y el pop no sería diferente a este respecto. Mientras que los críticos (sin mencionar muchos fanáticos e incluso los propios artistas) buscaron trazar una línea entre lo creíble (rock) y lo comercial (pop), otros artistas se negaron a ser encasillados. La realidad es, como con todo arte, que hay buena y mala música pop. Lo que resultó difícil a fines de los años 60, y sigue siendo difícil hoy, es explicar exactamente qué hace que algo sea bueno y algo malo. Marc Bolan es un buen ejemplo de un artista que cruzó la brecha entre el rock y el pop. Su Tyrannosaurus Rex original era un grupo interesante, ciertamente más cercano a los bordes externos del rock que al pop comercial, con mucho para atraer a los críticos y al mismo tiempo atractivo para los hippies y los estudiantes de arte.T.Rex , y terminó su asociación con Steve Peregrin Took, el resultado fue una serie de singles pop que le dieron una mayor popularidad que cualquier artista británico había conocido desde los días de la Beatlemania. De hecho, se acuñó un nuevo término para describir la manía: T.Rextacy. Era claramente pop, definitivamente arte y, crucialmente, extremadamente bueno.

Llevando la música pop a un nuevo nivel

Los ganadores suecos de Eurovisión ABBA son otro caso de estudio interesante. ¿Seguramente nada en el mundo del pop podría estar más lejos del arte que esta competencia anual de composición de canciones en toda Europa? Sumado a esto, los registros de ABBA vendidos por la carga del cubo. Que las personas que normalmente no prestarían atención a las listas de éxitos se enamoraran de sus bien elaboradas porciones de pop deberían haber eliminado cualquier posibilidad de credibilidad para los cuatro fabulosos suecos. Y, en ese momento, eso bien pudo haber sido cierto. Pero hoy, son elogiados por llevar la música pop a un nuevo nivel.

A lo largo de los años 70, muchos jóvenes fanáticos del pop expresaron las acusaciones de esnobismo, en particular hacia los noodlings cada vez más cerebrales provenientes del campo de rock progresivo. En 1976, estos gritos se convirtieron en un rugido, cuando el punk rock explotó en la escena. Los punks estaban decididos a reclamar la música pop para las masas, negándose a verla desaparecer por su propio trasero en una ráfaga de virtuosismo intelectualizado. El pop era para todos, independientemente del talento. De una manera que se remontaba a los grupos de skiffle que habían surgido en todo el país a fines de 1950, lo que provocó una ola de bandas de The Beatles and the Stones, The Animals, Kinks e innumerables más, el punk estaba a la vista. , una actitud y una expresión, mucho más de lo que se trataba de poder tocar la guitarra. Y ambas escenas sembraron en las escuelas de arte de Gran Bretaña.

La imagen es la clave del éxito.

La clave del éxito del pop siempre ha sido la imagen. Desde la buena apariencia de ojos azules de Sinatra a través del atractivo sexual peligroso de Elvis hasta la andrógina atracción de David Bowie, la forma en que un artista se presenta es parte del paquete. Si bien la música es claramente clave, el efecto visual es una gran parte del pop: otra marca en la columna Sí en el antiguo “¿es pop art?” debate. El mundo del arte adoptó esta noción con el movimiento pop art, pero estos artistas nunca pudieron presentar el paquete pop completo en una galería, por muy bueno que fuera su trabajo. Como Pete Townsend de The Who le explicó al Melody Maker en 1965, el arte pop fue: “Golpeé mi guitarra en mi altavoz debido al efecto visual. Es muy artistico. Uno obtiene un sonido tremendo y el efecto es excelente “.

El mundo del pop post-punk adoptó esta misma idea a principios de los 80. Los grupos de pop se volvieron más extravagantes que nunca antes, y cada acto se presentaba de manera distinta. Ya se trate de la impactante aparición de Boy George en el momento en maquillaje y vestidos, Adam Ant con sus videos y personajes pop de mini películas, o Martin Fry de ABC, con un traje dorado lamé cuando salió del paro. en Sheffield Nuevos románticos y nuevos actos de onda como The Human League , Soft Cell y Duran Duran explotaron el valor de la imagen para mejorar su música, creando una escena pop rica y diversa que los sostendría en las próximas décadas.

Mientras tanto, las estrellas estadounidenses controlaban de manera similar cada aspecto de su presentación para asegurarse de que tenían el control de su arte. Los videos de Michael Jackson se convirtieron en épicas de gran presupuesto, rivalizando con Hollywood por su extravagancia, mientras que la actuación sexualmente cargada de Madonna elevó sus espectáculos al gran teatro.

Este fue el plan seguido por Lady Gaga, quien se convirtió en una superestrella internacional después de su álbum debut de 2008, The Fame . Ex alumna de la Tisch School of the Arts de Nueva York, Gaga fusionó su música electrónica de vanguardia con sensibilidades pop, agregó un toque de glamour Bowie / Bolan y se presentó como un paquete completo de música respaldada por extravagantes y provocativas imágenes. Como explicó, “Soy una obra de arte ambulante todos los días, con mis sueños y mis ambiciones hacia adelante en todo momento en un esfuerzo por inspirar a mis fanáticos a llevar su vida de esa manera”.

Como se llame, la música sigue siendo la misma.

A lo largo de las décadas, la definición de pop ha cambiado demasiadas veces para mencionarla. En tiempos de mala salud, todos quieren asociarse con él, mientras que en tiempos de barbecho, los artistas han hecho grandes esfuerzos para distanciarse de él. Como sabemos, pop simplemente significa “popular”, pero también puede significar un estilo de música popular. La palabra se usa a menudo para describir música que tiene un atractivo masivo, producida con un gran presupuesto y destinada a ser comercialmente exitosa. Y es este éxito comercial lo que aliena a muchos que sienten que este aspecto del negocio de la música se distingue de los puristas que consideran que su música es arte por sí misma. Los fanáticos del rock se distanciarían de lo que veían como pop desechable en los años 80 y, sin embargo, los grupos que amaban usaban muchas de las mismas herramientas que sus enemigos percibidos: imagen, extravagancia, etc.

Lo que es exactamente pop será diferente de una persona a otra. Mucha gente piensa en Motown como alma, pero para el purista del alma, Motown es pop, no alma. Consideran que Motown es de alguna manera inferior, debido a la naturaleza comercial de Berry Gordy, que produce una cinta transportadora de golpes. Sin embargo, a principios de los años 70, los artistas de Motown como Stevie Wonder y Marvin Gaye estaban firmemente a cargo de su propia producción, con álbumes como Gaye’s What’s Going On y Wonder’s Music Of My Mind tan conmovedores como cualquier cosa que salga de Memphis o Muscle Shoals. Pero al mismo tiempo, siguen siendo algunos de los mejores discos pop jamás creados.

Cuando el gran sello de almas Stax Records, hogar de Isaac Hayes , The Staple Singers y el fallecido Otis Redding, invitó al reverendo Jesse Jackson a abrir “The Black Woodstock”, ya que su festival de Wattstax fue bautizado, él predicó la inclusión: “Esto es un hermoso día, es un nuevo día. Estamos juntos, estamos unificados y todos de acuerdo, porque juntos obtuvimos poder “. Él continuó, usando la música como metáfora: “Hoy en este programa escucharás gospel, y rhythm and blues, y jazz. Todos esos son solo etiquetas. Sabemos que la música es música “.

Como sea que lo llames, la música sigue siendo la misma. La discusión es solo sobre cómo lo interpretamos y lo que dice sobre nosotros. ¿Quienes descartan que el pop no tenga valor realmente sufren el esnobismo de querer que otros piensen que ellos, como el dramaturgo en la obra de Stoppard, están por encima de cosas tan infantiles como la música pop?

Como Henry se lamenta en The Real Thing, “Voy a ver un completo pinchazo, ¿no es cierto? Al anunciar que mientras les decía a los existencialistas franceses dónde se habían equivocado, pasaba todo el tiempo escuchando The Crystals cantando ‘Da Doo Ron Ron’ “.